David Mamet

La Calidad de la Misericordia

Peter Brook

Shakespeare nunca utilizó sus personajes para anunciar sus pensamientos, sus ideas.

Nunca impone su mundo al mundo que deja aparecer.

Nunca juzga, daba multitud infinita de puntos de vista con su correspondiente plenitud de vida, dejando las preguntas abiertas tanto a la humanidad como a la inteligencia del espectador.

Para hacer una pieza de Shakespeare le puedes poner todo el fuego del mundo, pero si falta un tempo general, un ritmo irresistible que llevase de una escena a otra. Yo aún no había aprendido que eso era la base de todo el teatro isabelino y, así, empezó un largo periodo de descubrimiento.

Una obra de Shakespeare debe ser representada como una gran frase sinuosa, sin que acabe nunca hasta el mismísimo final.

Como guiones de películas, donde cuando oyes las bobinas girar, se produce un movimiento con el que se capta la atención del espectador;

éste tiene que mantenerse hasta el final del ultimo plano. Lo que permite liberarse de la naturaleza cerrada del decorado, que tan importante era en aquella época.

la luminosidad necesita de la sombra de la oscuridad para volverse real, pues así, cuando finalmente todos los malentendidos de la historia felizmente parecen llegar a buen termino, una figura sombría aparece en el horizonte.

Las últimas canciones están teñidas de melancolía, expresan cómo el verano da paso al invierno, y el final de la obra queda en suspenso, con un vaso inolvidable: “tú por ese camino, nosotros por este camino.”

la obra se divide claramente en tres partes. Primero, un melodrama sobrio que es casi una tragedia. Después, se produce un cambio repentino a la radiante inocencia. E, igual de inesperadamente, en una tercera parte, a la desolación y la penitencia gris, pero el final irradia perdón y amor.

Titus

Tito había rondado en mi subconsciente desde mis días de estudiante. “arte primitivo”

imágenes arcaicas soterradas profundamente, conferiría Tito una nobleza salvaje.

La obra aguardaba pacientemente el momento de ser rescatada del olvido.

Convertir una repugnante pieza de gran guiñol en un instante de belleza inolvidable.

El clima de la obra tiene lugar cuando la Reina pregunta dónde están sus hijos, y Tito responde: ahí... en ese pastel”.

Se había propuesto convertirlo en un momento de verdad escalofriante.

Cada obra debe traerse de nuevo a la vida con los ojos de hoy, Con los ojos del pasado, renovados por un sentido de la realidad del presente, las obras nos muestran nuevas formas, nuevas montañas y simas, nuevas luces y nuevas sombras.nos sorprende no habernos percatado antes de ella.

Las obras de Shakespeare son como planetas que, en su movimiento infinito, durante un instante se acercan a nosotros, para luego regresar a su órbita.

Medida por medida

en la obra hay 2 mundos: el refinado mundo del palacio y la sordidez de los burdeles, las prisiones y la calle.

Y la clave parecía estar en Brueghel y El Bosco.

En El Bosco se encuentra el gusto sublime por lo grosero, la suciedad, la vulgaridad. En Brueghel, la tensión y el dolor de la Edad Media quedan atenuados por una mirada en busca de esperanza y significado.

Otelo

Para Otelo, una mujer es símbolo de pureza, de virgen, la pureza le pertenece a Dios, y una traición de una esposa. Implica profanas el sacramento. La naturaleza pura de una mujer casta se manifiesta externamente. Otello implica un choque entre ideales orientales y occidentales.

En una primera escena, Desdémona se encuentra rodeada de amigos, charlando y riendo con un encanto social y un deleite típicamente occidental. A nosotros nos resulta natural y atractivo.sin embargo, a un observador moro le revela una mujer contaminada por valores degradados. El terreno para yago está preparado. Puesto que Shakespeare le fascinaba este tema, crea un único caso en que todas las facetas humanas de fortaleza y debilidad se concentran en un personaje: Lear.

El Rey Lear

La Muerte: el fenómeno inaceptable que no consigue dominar.

También con igual astucia, se percata de que una división en dos partes es siempre motivo de conflicto. Una partición en tres contiene un equilibrio natural de las fuerzas.

Ninguno de nosotros nacemos siendo una hoja en blanco. Hasta en la astrología, con sus diagramas de las influencias que inspiran en el momento de nacer, vienen a decir lo mismo. Los griegos lo llamaron “destino”, la palabra hoy es “genética”. Shakespeare estudió distintas maneras en que un ser humano nace con límites innatos y cómo, en algunos casos, él o ella logra superarlos. Es un tema sobre el que Shakespeare indagó desde Corilano, pasando por medida por medida, hasta la tempestad. Sófocles llegó a él en Edipo al posicionar a su héroe frente a una serie cada vez mayor de sucesos de los que debía emerger la verdad.

¿cómo podía Shakespeare exteriorizar en Lear el hecho de que el tirano impulsivo y cruel de la primera escena sea un hombre de una calidad tan recóndita, que necesitemos seguir con creciente profundidad su camino al autoconocimiento y la compasión? Desde el principio encontró un recurso – el Bufón- cuya voz es también la voz de Lear, que él se niega a oír y que, sin embargo, al mismo tiempo, sabe que tiene razón.

Shakespeare opera com psicólogo, neurólogo y sociólogo.

El único refugio es también el que mas teme: la locura.

El reloj de arena

Terminar la frase con “vivir tanto tiempo, “ nunca… nunca…nunca…” es una apertura a la eternidad.

Todo sugiere que Shakespeare escribía gran velocidad, una olla a presión de pensamientos, sentimientos, memoria y experiencia...

y solo pueden representarlo los actores de enorme talento donde se une pensamiento y sentimiento.

Mismo, la presión del sentimiento era mas fuerte que la corrección, quebrantando sus propias reglas.

Un método sin método.

Jazz libre, nunca desorganizado.

Para cualquier compositor, son las palabras de la canción las que evocan la melodía.

“decir una canción” la pulsación está ahí, pero la frase tiene un propósito.

Cuando el reloj de arena está presente, cada partícula de arena que cae nos recuerda cómo, en esta disciplina especial llamada “teatro” las grandes empresas pueden fácilmente perder el nombre de “acción”.

En Shakespeare las palabras son como espermatozoides diminutos.

Sorprendentemente, cuando pensamiento y sentimiento están perfectamente mezclados, la frase, el sonido o el gesto m1as inusual se vuelve completamente natural.

Ésta debe ser siempre la prueba. Cuando en el momento de experimentarlo parece natural, ni siquiera surge la duda. Nos conmueve de una forma nueva:no hay tiempo para nada más. Sólo significado. En esto consiste el verso.

El cocinero y un concepto

“hasta un cocinero puede tener una idea” “ vuelva usted cuando haya desarrollado una idea lo suficiente como para tener una historia que ofrecerme”

ir mas allá de la ilustración, hacia la evocación.

No había caos, solo una firme guía: la sensación de una forma desconocida que nos incitaba a seguir.

Vimos la trampa de los chiste del los ensayos, todo lo que a la compañía le hacia partirse de risa: fallaba.

Pero “tras una mala idea, una buena puede estar aguardando para hacer su aparición”.

Por ejemplo, “ el problema muchas veces esta en el arranque. El modo en que comenzáis no nos prepara para la inesperada propuesta que sigue a continuación. Encontramos la manera de iniciar la obra con un estallido.

Con tanto gozo y energía que arrastraba al público con ellos. Después de esto, no se podía fracasar.

A menudo después de un estreno, uno tiene que seguir trabajando día tras día, sin estar nunca satisfecho, pero esta vez lo percibíamos: milagrosamente, todo encajaba.

La vida de una obra teatral empieza y termina en el momento de la representación. Ahí es donde el autor, los actores y los directores expresan cuanto tienen que decir.

Si el acontecimiento tiene algún futuro, eso puede solo hallarse en la memoria de aquellos que estubieron presentes, y que guardaron un vestigio en sus corazones, ninguna forma ni interpretación es para siempre. Una forma tiene que quedar fijada durante un corto espacio de tiempo, luego debe desaparecer. Conforme cambie el mundo, habrá y debe haber sueños nuevos y totalmente impredecibles.

Desgraciadamente, en las artes visuales, el “concepto” reemplaza actualmente a todas las calidades de las destrezas de ejecución y desarrollo adquiridas con esfuerzo. En su lugar, las ideas son desarrolladas como ideas, como proclamas teóricas que conducen a proclamas igualmente intelectuales y a debates. La perdida no esta en la palabra, sino en el drenaje de lo que proviene únicamente de la experiencia directa, y que es capaz de retar a la mente y al sentimiento con la calidad que confiere.

Una sola bombilla encendiéndose y apagándose ganó un importante galardón porque lo expresaba todo sobre la vida y la muerte., en realidad, sólo expresaba la idea de la vida y la muerte.

“Vuelva usted cuando le haya dado a su idea una forma poderosa”

una forma existe en todos los niveles, visibles e invisibles, a través de la calidad de su desarrollo y, más tarde, en el modo en que su significado se transforma.

¿que debemos hacer con ella? Se ha hecho tanto ya, y se ha filmado tanto, grabado o escrito tan a menudo, que resulta complicado no empezar buscando algo nuevo y sorprendente. El futuro de un joven director o directora puede depender de la repercusión que consiga. La idea es la trampilla que se abre bajo los pies de todo director. Cualquier escena de Shakespeare puede vulgarizarse hasta volverla casi irreconocible por el mero deseo de lograr un concepto moderno.

Por suerte, existe otra manera. Siempre de forma más sutil aguarda a ser encontrada a través del paciente y delicado ensayo-error. A los directores se les pregunta: cual es su concepto? Los críticos escriben acerca de “un nuevo concepto” como si esta etiqueta pudiera cubrir el proceso. Un concepto es el resultado y llega al final. Cualquier forma es posible, siempre y cuando se descubra ahondando cada vez con mayor profundidad en la historia, el las palabras y en los seres humanos a los que llamamos personajes. Si una mente dominante impone el concepto de antemano, se cierran todas las puertas.

La disposicion lo es todo

“hay un mundo en otras parte”

no es solo una puerta que se cierra de golpe. Es un reconocimiento instintivo de que siempre hay otras puertas que se abren.

“la disposición lo es todo” “lo veo como un profundo sentir”, las palabras son tan sencillas i el significado abre tantas puertas.

Cómo se conjuga esto con la convicción de que Shakespeare escribía a la velocidad de su pensamiento?

La idea es nunca teorizar. Su profundo sentido del significado era instantáneo. El acto físico de hablar enseguida daba vida a todo cuando su pensamiento y su sentimiento pudieran ofrecer.

A lo largo de los años había encontrado la respuesta a tantas preguntas, había escuchado tantas interpretaciones de cada verso, que su actuación era lenta y estaba totalmente bloqueada por la pálida sobra del pensamiento. Era una conferencia, no una actuación; como si leyese en alto todas las notas a pie de página conforme hablaba. Yo tuve una experiencia similar cuando llevé Hamblet a escena por primera vez. Lleno de temor y respeto ante este gran reto, estudié concienzudamente cada análisis pormenorizado del que pude echar mano. Como consecuencia, no quedó espacio para la intuición, y la producción resultó pesada.

Al final la precisión lo es todo. Disposición.

Los actores debían buscar la realidad del personaje y la verdad humana que ya están contenidas en las palabras de Shakespeare, aguardando a que la mano pensante y sensitiva se introduzca en el guante.

Tres puntos suspensivos nunca pueden ser iguales, es el sello de la presencia de la vida.

Si son bellas, nos seducen y olvidamos que estas mismas palabras, como el guante, pueden estar llenas o vacías. Stanislavki nunca empezó con teorías; sólo las formuló tras una larga carrera de búsqueda. Sin embargo, los estudiantes creen que pueden empezar por la conclusión.

Al final son solo palabras, sólo bellas palabras.

Sentir que la vida en cada una de sus formas, es una experiencia extraordinaria, asombrosa y embriagadora.

El mundo de ensueño es una parte y no el todo de la existencia.

Y la ultima palabra que escribe Shakespeare es LIBRE

DEJADME LIBRE

hoy en día estamos empezando a ser mas respetuosos con el caos. Podemos sentir el tremendo poder dinámico de las fuerzas cuando se las libera. Y podemos amar y respetar la extraordinaria calidad de tranquilidad que incluso una vela puede expresar.

Prospero Se ha adentrado en el caos de las fuerzas naturales, ha comprobado cómo un hombre puede dominarlas, mandar sobre ellas y convertirse en una suerte de superhombre.

Significa eso que se ha convertido en un hombre libre?

De eso habla Shakespeare: de calidad, misericordia, libertad; esta trinidad es el acertijo de Shakespeare.